Héctor Jesús Cristino Lucas
[dropcap]C[/dropcap]onsiderado por la crítica como uno de los géneros más complicados del séptimo arte, y responsable de múltiples disputas entre los conocedores acerca de qué debe o no considerarse como Cine Surrealista. Una vanguardia artística que surge, casi a la par del Expresionismo Alemán, en el conflictivo de 1919 sólo que en Francia. Su padre, el escritor, poeta y ensayista André Bretón fue quien creó la base primordial de este movimiento al escribir su ya conocido y francamente alucinante Manifiesto Surrealista, del que es necesario citar para poder comprender:
[pull_quote_center]Voy a definirla, de una vez, para siempre: SURREALISMO: sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro por cuyo medio intenta expresar verbalmente, por escrito o de cualquier modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención regulada de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral.[/pull_quote_center]
Gran parte de este Manifiesto está basado en los estudios del padre del psicoanálisis, Sigmund Freud, específicamente aquellos que iban ligados hacia los experimentos de la escritura automática, que consiste en liberar el subconsciente en una simple hoja de papel, vertiendo miedos, pensamientos y hasta sueños de manera automática para impedir que sean filtrados por la conciencia. Escribir todo aquello que se te venga a la mente pasando por alto cualquier concepción, incluyendo la moral o la ética. Bretón exaltaba la locura, casi como una nueva perspectiva a ciertas realidades, y la imaginación y los sueños, por encima del conocimiento mismo.
Hasta cierto punto, el cine surrealista retoma estos mismos principios, y crea una nueva tendencia para la pantalla grande. Las imágenes automáticas, como secuencias tan aparentemente inconexas como absurdas, pero que juntas imitan el inexplicable arte de soñar. La incesante emulación de estar dentro de un mundo onírico y sólo sentir, mas no comprender. El cine surrealista surge de esta manera, y pocos, muy pocos cineastas actuales han seguido sus reglas desde entonces.
Estas son 7 extrañezas imprescindibles del cine surrealista.
7.- La Coquille et le Clergyman – 1928
Esta podría considerarse como el Santo Grial de las películas de éste género. Tan desconocida resulta que muy pocos saben que se trata de la primera película de este movimiento –aunque existe gran disputa entre los conocedores por semejante título-, dirigida por la cineasta Germaine Dulac en 1928. A este film, curiosamente le precede un legado cinematográfico de carácter cubista y dadaísta que resulta bastante similar, como por ejemplo el Ballet Mécanique de Fernand Léger de 1924, Entreacto de Rene Clair e incluso, la desconocida Estrella de Mar de Man Ray, pero todas estas empeñadas a mostrar imágenes metafóricas que distaban mucho de la emulación de sueños.
La Concha y el Clérigo, sin embargo, muestra una constante avalancha de imágenes oníricas como claramente pesadillescas. Es casi un sueño vívido que desborda erotismo y una plena alusión a los deseos carnales, casi prohibidos, de un sacerdote a la mujer de otro hombre. Hay que tomar en cuenta que posteriormente y gracias a este film, el cine surrealista se volcó a una especie de crítica extravagante y anticanónica -cinematográficamente hablando- hacia el puritanismo y la clase social burguesa.
6.- Tetsuo: The Iron Man – 1989
El cine surrealista, como ya se planteó, surge en Francia pero luego migró a distintas partes del globo y Japón no fue la excepción. Con gran influencia del manga y el folklor nipón, Shinya Tsukamoto creó una de las principales películas no sólo del cine surrealista en su país, sino también del horror y la ciencia ficción universal. Entendamos que hablar de sueños la referencia no necesariamente es esa utópica y agradable sensación de bienestar, sino también puede hablarse de una sublime y angustiante pesadilla. Tetsuo es la muestra de ello, es una pesadilla viviente y retorcida. La metáfora del hombre contra la máquina, una rebelión constante hacia el futuro y el progreso.
Algunos la han llamado Cyberpunk por el fuerte trasfondo anti-automatismo, y otros como una gran referencia al género de Body Horror como los clásicos trabajos de Cronenberg. Lo cierto es que mucho en su naturaleza recuerda al Ballet Mécanique de Léger, pero con ciertos principios retorcidos del surrealismo que trasgreden -literalmente- la realidad hasta “oxidarla”.
5.- Vase De Noces (The Pig Fucking)– 1975
Probablemente haya quienes se nieguen a colocar esta película en un top de cine surrealista, sin embargo me tomaré el atrevimiento por las diversas técnicas mostradas que la acercan bastante al género. De antemano, sepan que este film es considerado como uno de los más polémicos, y hasta fue prohibido en diversos países. Tal es el caso de Australia, en donde llegó a ser considerada una película obscena, y por supuesto, el gobierno ejerció tanta presión en cuanto a censura que hasta nuestros días es considerado un delito verla en dicho país. ¿La razón? Un rocambolesco argumento que no sólo muestra zoofilia, sino que te invita a ello.
Les presento a la belga Vase De Noces (The Pig Fucking), film tan underground como francamente extraño. Pero está aquí porque mucho en su naturaleza es casi de manufactura onírica. Las escenas, como cada uno de sus encuadres, fueron hechos para transgredir el convencionalismo del cine hollywoodense, y su director, Thierry Zéno, es capaz de transportarnos a un mundo parecido al nuestro donde amar a un animal -en este caso a una cerda- es tan común como procrear hijos con ella.
4.- Fando y Lis – 1968
Igual de controvertida fue la opera prima de Alejandro Jodorowsky, quien más de una vez ha sido ejemplo en distintas críticas y artículos. En esta ocasión, era imposible que faltara. Fando y Lis fue tan repudiada en México cuando se estrenó en la XI Reseña Internacional de Acapulco allá por el 68, que se llegó a pedir la expulsión del cineasta inmediatamente. Jodorowsky ha estado en vuelto en polémica casi en toda su carrera, y sus películas, muchas veces han sido criticadas hasta el cansancio por diversos motivos. Hay quienes no se tragan la excusa de que sus películas son viajes internos al fondo del subconsciente, sino más bien experimentos sin pie ni cabeza, pretenciosos y egocéntricos.
Sin embargo mucho en la naturaleza del chileno, cumplen con las características plasmadas en el Manifiesto de Bretón. De hecho, Fando y Lis -basado en las obras clásicas denominadas “teatro del absurdo”- es el mejor ejemplo de ello. En el film se muestra un viaje hacia la extraña y surrealista ciudad de Tar y todos los obstáculos que hay para llegar. Casi un viaje astral.
3.- Begotten – 1991
Considerada por la crítica como una de las películas underground más escalofriantes del cine experimental enfocado al horror, probablemente estemos también frente a uno de los filmes contemporáneos más bien logrados dentro del surrealismo. Begotten de Elias Merhige se hizo de una fama envidiable entre los conocedores porque se decía que fue sacada de la temible, y ya sobrevalorada, Deep Web. Claro, esto fue un rumor que si bien resultó falso ayudó a construirle un estatus de culto. El film tiene un sinfín de características interesantes, como el manejo de sonidos tomados de la naturaleza y una estética en blanco y negro semejante al Test Rorschach.
Incluso el argumento, que si el director no se hubiese dignado a develar probablemente tendría múltiples interpretaciones, nos narra una historia mística acerca de la creación y la extinción de la Madre Tierra. De un Génesis y un Apocalipsis representados por personajes alegóricos, extraños y de carácter tan paganos como, por supuesto, surrealistas. Lo más escalofriante de todo es que Merhige creó esta película tras inspirarse en una experiencia cercana a la muerte cuando tenía 19 años, y gran parte de la naturaleza del film es una expresión de aquello que sintió y vio.
2.- Eraserhead – 1977
Tardó casi seis años en ser filmada debido a que nadie quiso financiar un proyecto tan extraño como incomprensible, tanto, que ocupó dinero de su propio bolsillo como el de familiares y amigos para poder terminarla. Nadie le tenía fe a un proyecto cuya naturaleza era grotesca, aterradora y totalmente absurda, pero hoy en día es considerada un filme culto y uno de los eslabones más importantes no sólo del cine surrealista sino también del universal. Eraserhead, la opera prima de David Lynch, es casi imprescindible en un top de este tipo. Fácilmente con muchos de los trabajos del cineasta se pudiese crear un conteo especializado, pero es esta la de mayor naturaleza onírica.
Al igual que Begotten, Lynch dio una posible trama, y nos centra en la vida caótica de Henry Spencer, -icono del cine de culto interpretado por Jack Nance- mismo que debe hacer frente a una extraña ex novia que dará a luz un hijo suyo en extrañas y anómalas condiciones. Excéntrica y aterradora.
1.- Dos en uno. El legado de Buñuel y Dalí: Un Perro Andaluz (1929) y La Edad de Oro (1930)
Dijimos al inicio del top que La Coquille et le Clergyman de Germaine Dulac es la primer película surrealista que hubo en el género. Y sí, lo fue. Sin embargo, la disputa de algunos críticos que se resisten a darle este título se debe a que un año después, en 1929, dos jóvenes prospectos a artistas, Salvador Dalí y Luis Buñuel, filmaron casi sin querer la obra surrealista por excelencia: Un chien andalou (Un perro andaluz) que revolucionó la forma de hacer cine en aquel entonces. Recuerden que entrada la década de los años 20, el Expresionismo Alemán ya había aparecido y la vanguardia se volvió múltiples veces imitada, hasta que Buñuel y Dalí aparecieron.
Tal vez no fue la primera en el género, pero sí la que trasladó al séptimo arte las características precisas del Manifiesto Surrealista de André Bretón, opacando incluso a la película de Dulac. De hecho existen críticos que sólo por haber seguido la naturaleza del Manifiesto, la cinta de Un perro andaluz, con el metraje que filmaría Buñuel un año después en solitario, La Edad de Oro, son las únicas películas auténticamente surrealistas que existen en la historia. Y es que ninguno de estos dos personajes históricos en el mundo del arte imaginó siquiera que abrirían paso a una nueva vanguardia cinematográfica y casi como coincidencia, lo lograron.
Se dice entre los historiadores y cinéfilos que en la creación del guión para Un perro andaluz se aplicó el método de escritura automática promulgada en los estudios de Freud y posteriormente retomada en el Manifiesto de Bretón. Por supuesto, hoy en día se ha dejado de lado esta técnica para hacer cine surrealista, puesto que la audiencia pide a gritos un hilo argumental comprensible; una historia analizable. Quizás Lynch y Jodorowsky son los únicos que aún hoy en día logran acercarse más al género sin pasar de moda.
En fin, la cinta partió gracias a dos sueños. Dalí dijo que había soñado cómo hormigas pululaban del interior de su mano, y Buñuel, que un hombre con una enorme navaja cortaba el ojo de una mujer a la luz de la luna. He aquí el argumento que ambos realizaron para la creación de Un perro andaluz, dejando que el subconsciente fluyera antes que la propia razón:
Buñuel dice a Dalí:
¿Qué ve? “Un sapo que vuela “¡Malo!” “Una botella de cognac» “¡Malo!” “Pues veo dos cuerdas», “Bien, pero ¿quién viene detrás de las cuerdas?“ “El tipo tira de ellas y cae, porque arrastra algo muy pesado” “Ah está bien que se caiga». “En las cuerdas vienen dos grandes calabazas secas» “¿Qué más?” “Dos hermanos Maristas» “¿Y después?” “Un cañón» “Malo, que venga un sillón de lujo» “No, un piano de cola» “Muy Bueno, y encima del piano un burro… no dos burros podridos». “Magnífico».
Un perro andaluz es la película que mejor emula, incluso hasta nuestros días, a la naturaleza inexplicable de los sueños, y es el eslabón imprescindible de este género casi por excelencia. El guión es muestra clara de ello y la escena de la navaja pasando por encima del ojo de la mujer -que en realidad se usó el ojo de una vaca- es memorable y un hito del séptimo arte que causó mucha polémica. Tan emblemática es que tiene tantos homenajes postreros, como en el film Spellbound de Alfred Hitchcock en 1945 a la escena del ojo cortado. Incluso en Silence Of The Lamps de Jonathan Demme tras mostrar la Acherontia Atropos; la mariposa también conocida como La Esfinge Calavera.
En 1930 Buñuel realiza La Edad de Oro y fungió también como pieza clave del cine surrealista. Además, y como lo mencionamos en La Coquille et le Clergyman de Dulac, fue polémica por hacer grandes críticas a la clase burguesa. Una historia de amor loco, según el propio cineasta, que simbolizó una rebelión a las normas éticas y morales de una sociedad que reprime la forma de amarse en pareja, de acuerdo a sus tradicionalismos. El film está repleto de simbología hacia el Eros y el Thanatos como a la literatura de Sade, e incluso mantiene una comedia ácida anticlerical que la volvió en un auténtico filme prohibido a la altura de los trabajos del propio Pasolini.
Aunque suene predecible y desgastado, si de extrañezas como de filmes surrealistas imprescindibles hablamos, los de Luis Buñuel y Salvador Dalí encabezan la lista casi por obligación.
PERIODISMO DE LO POSIBLE
CANIJO CONEJO
